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2019-08-31 14:42

五、总结

无论格调的形式如何体现,但是可以肯定的是:人在创造格调,格调又反过来创造某个群体。所以说:格调是艺术作品所具有的美学品格和思想情调,是艺术家艺术造诣、文化修养、审美理想和思想情操在作品中的总汇体现。艺术创作是以审美方式反映生活、影响人心的,这样,作品的格调就不但取决于作者的思想境界,同时也取决于作者所能达到的艺术境界,就是说作品的格调高低既要看表现了什么,同时也要看如何表现和表现得如何。内容不健康的作品自然谈不上高格调,健康的内容如果缺少完美的表现形式,缺少内容与形式的统一,艺术格调也会受到严重的影响。独特的艺术风貌只有与崇高的艺术格调统一起来,才会产生优秀的作品。形式再新颖,风格再独特,如果情调不健康,也会直接削弱作品的艺术价值。从这个意义上讲,格调较之风格有着更为重要的实践意义。从创作角度看,它是作者思想境界和艺术境界的最高体现;从欣赏角度看,它是艺术批评的重要的标准之一。同时它还具有时代的、民族的和阶级的属性,不同时代、不同民族和不同阶级在艺术格调的追求与批评上有着不尽相同的倾向和标准。中国社会主义文艺创作在风格多样化的基础上,强调作品的社会功能,提倡作品的格调的不断提高,使文艺作品在精神文明建设中发挥积极有益的作用。

二、格调是个人的艺术风貌所具有的美学品格,多指渗透在作品中的意蕴和情调

三、格调的时代性、民族性及阶级性

一件作品如果只是迎合市俗的一般嗜好,或是以奇巧炫人耳目,仅仅满足于某种官能刺激,这样的作品就会被贬斥为庸俗浅薄。如果作品在思想内容和形式风格上不但为人们所乐于接受,并且能有益于人们的身心健康,使人的感情得到净化,思想得到提高,这样的作品就会被社会誉为格调高雅纯正。因此,俗与雅也成为衡量作品格调高低的一个重要标准。法国19世纪中叶的农民画家现实主义巨子米勒,以他对农民的热爱,对土地的深情,创造了一系列再现法国农村田园生活的图画,如《晚钟》、《拾穗者》、《倚锄的人》都是在真实人生的图画中渗透了劳动的甘美,人生的辛酸。更令人感动的是,米勒抗争着持守了作为艺术家的真诚。面对家庭的责任,生活的贫困、苦难、疾病、来自文艺界的批评、误解、反对、攻击的舆论,甚至面对来自政治的压力。米勒,没有忘记自己作为一个朴实的农民的艺术家的使命,义无反顾的保持着艺术家人格良知的操守,始终坚持着完全独立于远离市俗嗜好的真诚地创作。诚实的艺术家的作品总是比政治家的术语来得更深刻,含蓄、耐人寻味,他们像天上的星辰,一语不发;却在默默无语之间见证一个个或流血或和平的时代,你可以诠释他们,但他们会有自己的语言,在那样一个动荡不安,充满血腥的时代里,却产生了《晚钟》这样静谧安宁的超世佳作,而米勒的大多数作品也都像《晚钟》一样成为超越时代的传世之作。暮色笼罩着一望无际苍茫大地,多么庄严,何等肃穆,不禁令人对造物主的伟大油然产生敬意。一队农家夫妇随着教堂钟声的敲响,放下手中的农活,以感恩的心在傍晚的微风中悄然伫立,以敬虔的祈祷结束一天的劳作。他们虽然卑微,但不失尊严。以天上国民的身份企盼另一永恒和平的国度,而对天国的盼望也深藏在画家的心中。只有在这样的企盼中忍耐苦难,苦难才显得甘美,心灵才得平安,而这样的平安窘异于暴力与战争所带给人心的恐怖与疯狂。也正是这种内在的平安带来的恒忍力量,使得人们在动乱的社会中仍持有生存的勇气和智慧。毫无疑问《晚钟》这幅作品的灵感源自于《圣经》的启示,同时也取材于米勒对现实生活的体验。米勒称《圣经》为他的“画家之书”,并希望自己“能像伦伯朗那样,只不过从法国人的观点去解读《圣经》”。列夫托尔斯泰评价米勒的《晚钟》“透露了基督徒对上帝和邻人的恩爱之情,”表现了“人和上帝及人们相互之间的团结和睦。”罗曼罗兰则赞誉米勒为“法国艺术中独一无二的人,”“在19世纪的法国,米勒的品格是令人惊奇的,他似乎属于另一个时代,另一个民族和有着不同思想形式的人。”“画家就是从这种劳动的痛苦当中找到了人生的诗和美,这是米勒的思想和制作的最终目的。”我们不难从米勒的人生图画体察到农民的善良与品质的高贵,从中感受到劳动生活的真谛,诗意和艺术家心中淡淡的哀愁。由此可见,作品的格调不但取决于作者的思想境界,同时也要看如何表现和表现得如何。内容不健康的作品自然谈不上高格调,健康的内容如果缺少完美的表现形式,缺少内容与形式的统一,艺术格调也会受到严重的影响。格调又是艺术家在创作中艺术个性的集中体现,是个人的艺术风貌所具有的美学品格,是渗透在作品中的意蕴和情调。独特的艺术风貌只有与崇高的艺术格调统一起来,才会产生优秀的作品。这使我不由得想到17世纪荷兰画派伟大的画家伦伯朗。他把毫无虚饰的生活真相以及不满和反抗的主题,引进自己的作品中,伦伯朗对普通人,流浪汉乃至乞丐的深刻同情,对英雄人物的无限景仰,以及他把当时社会的人生作为悲剧而加以无情揭露的那种坚定不移的艺术主张,映射出他那独特的艺术风貌以及崇高的人格品质。正如美国艺术史学和艺术评论家多玛斯克立文在他的《艺术家列传》中说:伦伯朗“为了保持艺术家纯洁的良心和争得绘画语言的自由,宁肯牺牲他早已赢得的声誉和相当客观的收入,这不是一件轻而易举的事情。我们美国人对这一点有深切的体会,因为在我们这里,为保持普通的尊严而做出的微不足道的牺牲,都被认为是愚蠢的行为。但是,伦伯朗为什么在他的作品市场已经消失,许多人对他侧目而视的时候,却更加勤奋地工作呢?这是因为他要证实他做人和做艺术家的能力,他要证实他确切值得为自己的艺术主张而活下去”,或许伟大源于苦难,苦难眷顾这位天才的艺术家,栩栩如生的人物形象和细致入微的心理刻画是这位大师在绘画上取的卓越成就,他在这方面达到了难以逾越的境界,是他又为世界艺术史写下了辉煌的一章,他的作品是人类所创造的优秀的艺术作品中重要组成部分。从某种意义上而言高格调的艺术作品也是创作者人格品质的反映。形式再新颖,风格再独特,如果情调不健康,也会直接削弱作品的艺术价值。从这个意义上讲,格调较之风格有着更为重要的实践意义。从创作角度看,它是作者思想境界和艺术境界的最高体现;从欣赏角度看,它是艺术批评的重要的标准之一。

不同时代,不同民族和不同阶级在艺术格调的追求与批评上有着不尽相同的倾向和标准。每个国家都有自己的特点,传统。这种特点主要还是不在方法方面,而主要表现在民族的历史,生活和感情上。传统离不开民族历史,生活,感情这些要素。因此,格调同风格一样,具有时代的、民族的和阶级的属性。在十六世纪末至十七世纪初的意大利绘画史中,卡拉瓦乔的艺术以高度的表现力,深刻的真实性和人道主义精神吸引着我们。这位艺术家历程是复杂的,充满了苦难和失望。他生活的年代,意大利困难重重,国家面临着严重的经济危机,内忧外患,国力大为削弱,同时,天主教的反动势力加强,他们拒绝用现实主义方法表现大自然和人类的艺术,样式主义取代了生气勃勃的文艺复兴的现实主义艺术。而在16世纪末17世纪初与样式主义艺术和学院派艺术相对立的是现实主义艺术。卡拉瓦乔吸收了北部意大利艺术创作中47的现实主义传统,从中接受了深刻的人道主义精神,朴素和真挚的思想,卡拉瓦乔,“是第一位描绘民众所体验它生活的画家,他不对其他人指述地狱;他的图象是分享于其中的现实的图象,他是一个异端的画家:他的作品由于其主题内容而被教会拒绝或批判,他的异端在于将宗教主题转化为普通悲剧。”①卡拉瓦乔死去的圣母,也许显示了“完全的真实,他对于普通世界的情感,目光和行为的需求,呈现与携取都尽可能地远离了艺术那娇饰的世界”,②进而使他创造出如此富有思想与革新精神作品。艺术家以自己真挚的感情再现生活的图画,通过形,色,线的组合描绘外部世界人生,让自己的情感通过再现形象自然而然流露出来,这种情感的表现以其自然、纯朴、真挚而感人并唤起对人生的体察,去发掘出生活的真与美,这是伟大的现实主义艺术所共有的特质。间而言之,不同国度,民族,时代的生活,产生了不同国度,民族,时代的艺术特点;体现了格调的时代,民族和阶级属性。

四、对格调在创作中的理解

格调它应该集中反映出艺术作品的美学品格和思想情调,也是艺术家艺术造诣、文化修养、审美理想和思想情操在作品中的总汇体现。格调高低首先取决于创作立意,清代张庚曾言:“盖画品高下,不在乎迹,在乎意。”对生活中真、善、美与假、恶、丑的判断能力在很大程度上决定着创作格调的高低。中国历史上一直十分强调作者的思想品质对创作的直接影响,有“人品不高,用墨无法”之说。画品与人品,美与善在中国传统美学思想上是统一的。它亦是个人的艺术风貌所具有的美学品格,多指渗透在作品中的意蕴和情调。独特的艺术风貌只有与崇高的艺术格调统一起来,才会产生优秀的作品。而俗与雅是衡量作品格调高低的一个重要标准。因为,艺术创作是以审美方式反映生活、影响人心的。这样,作品的格调就不但取决于作者的思想境界,同时也取决于作者所能达到的艺术境界。并且它同风格一样,具有时代的、民族的和阶级的属性,不同时代、不同民族和不同阶级在艺术格调的追求与批评上有着不尽相同的倾向和标准。

一、导论

我的创作《是生存还是毁灭?》这一命题,源于我对莎士比亚的悲剧《哈姆雷特》中的男主人公哈姆雷特的喃喃自语“tobeor,nottobe?”③的另一种解读。“生存还是毁灭”这个困扰着哈姆雷特的选择,它也将成为人类对自身生存状态的一种思考。人类在征服自然走向文明的历史进程中,每一次进步几乎都伴随着对地球环境的巨大冲击,如北非是人类文明的摇篮之一,巍峨耸立的金字塔代表了埃及文明的巅峰状态,这也是人类文明的巅峰状态。然而埃及文明创造者们留给子孙后代的遗产,除了古老的文明外,还有90%完全沙漠化的土地。人类文明的另一个发源地美索不达米亚经历了同样的遭遇。苏美尔、亚述、阿卡德和巴比伦人相继在公元前4000至前2000年间,创造了令世人叹为观止的城市文明。然而,这些古文明的发祥地如今却是不毛之地。我的《是生存还是毁灭?》这幅创作更多是体现了对人类逐渐消逝的文明的一种关怀与反思。人类活动破坏了自然的和谐,“人类如何重新审视人与自然的关系,促进人与自然的协调发展”。当人类生存的空间里只留下自己的身影时,那将是多么的悲哀!但愿生存还是毁灭的抉择只是在记忆中溯寻。(tobe,ornottobe?)的构图是呈前、中、后三层次空间第进。在呈负三角形阴影的前景的空间之上,眼睛立即投向后面的物体,即由嘴鼻组成呈正三角形的静穆而又具有超现实主义意味的主体物上。后景古老的拱墙及具有东方文化意味的圆顶和立柱,重复线形的交错,重叠、张力、对峙、疏密、均衡等等,构成了不同的动式,产生垂直的肃穆感。前景阴影的深沉与扩张,中景主体的稳重与静穆,背景的神秘与飘渺,充满了对艺术,文化、历史、自然界与科幻的理解和关爱。呈负三角形的阴影暗示着呈正三角形的主体的存在,存在即能被感知,她那斑驳的下颌,沉默龟裂的双唇以及似乎能听到轻微呼吸声的扩张的鼻孔,是在思考还是在无言的抗议?色彩在绘画中的地位,在某种意义上讲,没有色彩便没有了艺术。在色彩上我以明度及饱和度极强的色调作为画面的主旨,以暗重色调辅助表现次要内容,使创作的构思十分明确地传达给欣赏者。前景,中景的用色以较为单纯,冷静的黄褐色,浅绿色调为主,体现出那种“高贵的单纯”的美。中景主体物色彩的明度和饱和度是整幅画里最高的,是为了体现呈思考性的状态,色彩的单纯与冷静正是这种状态的保证。背景用色相比于主体物更含蓄,暗重,我用大面积桔红色,大红色,红紫色及红褐色涂绘是为了体现色彩审美心理的那种神秘,虚幻,飘渺的感觉。她们代表着那些即将失落的,引发我们思考的文明迹象。我在《是生存还是毁灭?》这幅具有原始格调,富有幻想和超现实主义意味的油画创作中,追求的是一种和谐,纯粹而宁静的艺术效果,那些看上去凝重的色调要传达给欣赏者的是一种沧桑、沉思、静谧和神秘感觉。画面构图看似简单,但却不经意间赋予作品深刻的寓意,有着对文学作品的深刻而独特的理解。